1 ヨークシャー ➤➤➤ ロンドン 「若くして時代の寵児に」

ホックニーは1937年7月9日、英国北部ヨークシャーの工業都市ブラッドフォードに、労働者階級の家庭の5人きょうだいの4番目として生まれた。53年からブラッドフォード美術学校に学び、59年にはロンドンのロイヤル・カレッジ・オブ・アーツ（RCA）へ進学。当時の英国はようやく戦後の重苦しさを脱しつつあった時期で、若者たちの間には新しい表現を求める空気が広がっていた一方、同性愛はまだ違法とされていた時代でもあった。美術界では米国の抽象表現主義が主流だったが、ホックニーは次第にこれと距離を置き、自らの同性愛をも隠さずモチーフに取り込みながら、具象的でユーモラスな作品を大胆な色彩で描くスタイルへと転じていく。この転換を後押ししたのが、客員講師として招かれていた、のちに「ポップアートの父」と呼ばれる画家リチャード・ハミルトンだった。

61年、ロンドンで開催された「ヤング・コンテンポラリーズ」展には、ホックニーと共にR・B・キタイ、パトリック・コールフィールド、ピーター・ブレイクら同世代のRCAの学生たちが名を連ねた。のちに「英国ポップアートを世に送り出した展覧会」と評されるこの一連の動きの中にホックニーはおり、20代前半にして早くも、時代の寵児としての地位を確立していたことになる。同展で画商ジョン・カスミンの目に留まり、63年、カスミンが自身の画廊を開くと、ホックニーはその最初期の所属アーティストとなって初個展を開催している。また、NYも訪れアンディー・ウォーホルやデニス・ホッパーといった米国のアーティストたちと会う機会も得た。

この頃、後年まで続くホックニーのトレードマークの一つである脱色ブロンドの髪も誕生した。RCAの友人たちと「ブロンドの方が人生を楽しめる」と謳う米国のヘアケア・ブランド、クレイロールのテレビCMを目にしたホックニーが、その場の勢いで髪をブリーチしたのが始まりだった。

まだ髪の黒かった18歳のホックニー

紡績工場が立ち並ぶブラッドフォードの街並み

2 ロンドン ➤➤➤ ロサンゼルス 「ポップアートから、光の画家へ」

転機は1964年、27歳の年に訪れる。ホックニーは陰鬱な英国の空を離れ、同性愛に寛容な自由な空気と明るい光を求めて単身ロサンゼルスへと渡った。ホックニーを待っていたのは、それまで写真でしか見たことのなかった、乾いた光と青いプール、ヤシの木が並ぶ開放的な街だった。この光景への衝撃は、以後の画業を決定づけるほど大きなものだった。

渡米後まもなく、アイオワ・シティを車で通りかかった際、ある眼鏡店で分厚いべっ甲柄の丸眼鏡を見つけて即座に購入したという逸話が残る。「もっとプロフェッショナルに見られたかった」という理由からだったというが、以後この丸眼鏡は脱色ブロンドと並んで、ホックニーのトレードマークとして生涯身につけ続けられることになる。

ロサンゼルスでホックニーはアクリル絵具を本格的に用い始め、平坦で鮮やかな色面によって水面の揺らぎや光の反射を捉える独自の技法を確立する。プールに浮かぶ人物や、ガラス張りの邸宅を描いた一連の作品群は、まさにこの時期に生まれた。中でも代表作「とても大きな水しぶき」（A Bigger Splash 1967年）は、水しぶきという一瞬の動きを、静止した絵画の中に閉じ込めるという逆説的な構図で高く評価され、ホックニーの名を世界的なものにした。

「光と色彩の画家」としてのホックニーの原点は、まぎれもなくこのロサンゼルス時代にある。以後、拠点を英国に戻してからも、ホックニーはこの街で得た光への感受性を生涯にわたって作品に持ち込み続けることになる。

1964年、ロサンゼルスにスタジオを構えたホックニー

丸眼鏡が生涯のトレードマークに

「とても大きな水しぶき」（1967年）

3 パリ ➤➤➤ ヨークシャー 「遠くを見ることで、故郷を新しく見る」

ホックニーとパリの関係は、パブロ・ピカソへの敬愛から始まった。RCA在学中の1960年、テートで開催されたピカソの回顧展に足繁く通い、計8回も鑑賞したと伝えられる。73年にピカソが没すると、ホックニーは追悼版画集への参加を依頼され、一時的にパリへ移住。ピカソ専属の名版画職人アルド・クロムランクのもとで、シュガーリフト・アクアチント技法を修得しながら、亡き巨匠への敬意を込めた作品を次々に制作した。76〜77年に手がけた版画集「ザ・ブルー・ギター」（The Blue Guitar）も、ウォレス・スティーヴンズの詩とピカソの絵画への二重のオマージュとして知られる。のちの1981年、ホックニーはニューヨーク・メトロポリタン・オペラで、1917年にピカソ自身が舞台美術を手がけたバレエ「パラード」を含む3本立ての舞台美術を依頼された際、意識的にピカソの手法を踏襲している。欧州の美術史との対話を経て、ホックニーの中で絵画と舞台という二つの表現が結びついていった時期だったといえる。

ロンドン・ロサンゼルス・パリを行き来する生活のなかで、ホックニーは友人やパートナーを写実的に描いた「ダブル・ポートレート」の連作にも取り組み始めた。等身大近くで描いたこれらの作品「クラーク夫妻とパーシー」（Mr and Mrs Clark and Percy 1970-71年）や「芸術家の肖像画 —プールと2人の人物—」（Portrait of an Artist（Pool with Two Figures）1972年）などは、移動を重ねる生活の中で出会った人々への、ホックニーなりの記録でもあった。

1978年、ホックニーは15年に及ぶ欧州と米国を行き来する生活を経て、再びロサンゼルスに定住する。しかし90年代に入ると、母の見舞いのため3カ月おきにヨークシャーへ通うようになり、97年、病床にあった旧友ジョナサン・シルヴァーに背中を押される形で、次第に故郷の風景そのものを描くようになっていく。2004年、久しぶりに向き合ったヨークシャーの光について、ホックニーは「違う光を見ることは、とても良いことだと思う」と語り、屋外での制作に没頭していった。07年に完成した「ウォーター近郊の大きな木々」（Bigger Trees Near Warter）は、50枚のキャンバスから成るホックニー史上最大の作品で、母の家の屋根裏で連日制作を重ね、ヨークシャーの春の予兆をとらえるため、木々が芽吹く前のわずか6週間で描き上げられた。各カンバスをどう組み合わせるか、全体像を確認するためにデジタルカメラやパソコンを駆使して制作されたといわれている。少年時代に見慣れていたはずの故郷の風景が、世界を巡り歩いた末の目で見返すことで、まったく新しい絵画になったともいえる。

「クラーク夫妻とパーシー」（1970-71年）

「芸術家の肖像画 —プールと2人の人物—」（1972年）

「ウォーター近郊の大きな木々」（2007年）

4 ヨークシャー ➤➤➤ ノルマンディー 「最後の創作の地」

2019年、80歳を過ぎたホックニーは、静けさを求めて仏ノルマンディーの農家「ラ・グランド・クール」に移り住んだ。4エーカー（東京ドームのグラウンドの約3分の1）の敷地には池と小川、納屋を改装したアトリエがあり、モネが「睡蓮」を描いたジヴェルニーからも遠くはない。ロサンゼルスの乾いた光、ヨークシャーの移ろう空、生涯を通じて場所ごとの光を追い求めてきたホックニーが、英国に戻る前に選んだのはこの静かなフランスの田園だった。

20年、新型コロナウイルスの流行で世間がロックダウンに入ったとき、ホックニーの生活はほとんど変わらなかった。もともと人里離れた農家で創作に没頭する日々を送っていたからだ。むしろこの隔離期間を、ホックニーは好機として捉えた。友人でもある美術評論家マーティン・ゲイフォードと電話やメールでやり取りを重ねながら、毎朝庭に出てはiPadでその日の光と季節の移ろいをスケッチし、送り続けた。この往復書簡的な記録は、のちに「Spring Cannot Be Cancelled」（春は中止にできない）という1冊にまとめられている。世界が立ち止まっていた時期に、ホックニーはただ一人、庭の中で春が巡り続けることを描き続けていた。

この日々の記録の集大成が、全長90メートルに及ぶパノラマ・フリーズ「ノルマンディーの1年」（A Year in Normandie 2020-21年）だ。100点以上のiPad画によって、農家の庭に訪れる四季の移ろいを1年かけて描いたこの作品は、バイユーのタペストリーや中国の絵巻物からインスピレーションを得た構成で、歩きながら鑑賞することで時間の経過そのものを追体験できる仕掛けになっている。88年の生涯をかけて世界を回り、「見ること」をやめなかった画家がたどり着いたのは、自宅の庭という最も身近な風景だった。

「ノルマンディーの1年」の一部（2020-21年）

「ノルマンディーの1年」の一部（2020-21年）

「Spring Cannot Be Cancelled David Hockney in Normandie」
マーティン・ゲイフォード、デービッド・ホックニー共著
Thames & Hudson、2021年刊、280ページ
ロックダウン下のノルマンディーでの対話と、iPadドローイング約30点を収録